o   Descripción del tema, problema o experiencia que se investiga

El siguiente proyecto pretende desarrollar las ideas de una sociedad digitalizada, así como las alteraciones que provoca la hibridación humano/máquina. Conforme pasa el tiempo vemos que la sociedad depende más de las tecnologías telemáticas, aquellas que permiten realizar acciones comunes de la sociedad, pero sin necesidad de estar presente físicamente, esto altera la forma en la que se desenvuelve la sociedad y plantea nuevos retos en el desarrollo social, ya que la vida digital ya no toma un papel alternativo ahora tiene un puesto obligatorio.

La pandemia ha acelerado el proceso de transportar la actividad humana a un plano digital, esto propone una dependencia de la máquina, una severa alteración a nuestra vida. A partir de esta situación nos vemos construidos con la máquina, la máquina ya no es una extensión de nosotros, no es solo una herramienta externa, ahora se vuelve un nosotros mismos, ya no es un objeto extraño a nosotros y nuestra vida, ahora el ser humano no solo es cuerpo de carne y hueso, ahora también es una presencia conceptual que vive en el mundo digital.

En el caso del arte vemos que la máquina toma un papel que deja de ser neutral, influye tanto en el proceso como en la visualización y la conceptualización de las piezas, brindado así un valor que deja ver el estado social actual, donde las máquinas comienzan a borrar la procedencia humana o más que borrar deja de ser necesaria su relación con el humano, deviniendo así un estado posthumanista que aleja la visión dualista que divide al humano y la máquina, ahora transportando el arte a un estado de construcción en cooperación con la máquina, hibridándose con ella “El giro ontológico muestra así un interés por recuperar la dignidad ontológica de las cosas sin necesidad de considerarlas principalmente como “productos” humanos o conjuntos relacionados instrumental o simbólicamente con humanos.” (Parente, 2020, pp. 331).

o   Antecedentes del problema: marco histórico/artístico,

Así como podemos modificar nuestro cuerpo con medios químicos y a nuestra personalidad visual con filtros, del mismo modo podemos modificar a nuestra personalidad sonora, podemos alterar como los demás nos escuchan, cómo nos entienden, y cómo nos expresamos. Esto a nivel musical ha sido un proceso histórico, científico, que ha ido agregando la posibilidad de experimentar nuevas formas de escuchar o formas de reinterpretar un objeto sonoro, por ejemplo, pasar de una guitarra acústica a una guitarra eléctrica, que sigue la misma lógica de cuerdas pero el cuerpo resonante tiene una mecánica totalmente distinta, es por esto que la tecnología ha ido modificando nuestra forma de crear sonoramente, ha sido una evolución que se ha venido dando desde siempre, pasar de un par de troncos a un Yembé por ejemplo, esto ha sido la evolución instrumental que poco a poco se fue haciendo más sofisticada.

Uno de los primeros artistas que incursionaron en la composición con instrumentos electrónicos fue Stockhausen en Alemania en los 40 ‘s, él comienza a desarrollar la música electrónica, inventando timbres que no están en la naturaleza, partiendo de experimentar con los sonidos de aparatos electrónicos.

Otra de las primeras incursiones en la música electrónica fue en 1956 con Louis y Bebe Barron que compusieron la banda sonora para la película Forbiden Planet a partir de circuito electrónicos, buscando crear un ambiente sonoro fuera de este planeta.

Los Laboratorios Bell fueron uno de los espacios donde se dio la oportunidad a los artistas de crear con computadoras, Michell Noll fue de los primeros artistas que comenzaron a concebir con las máquinas, y ya se planteaba la idea de usar a la computadora como un medio creativo como es de ver en la siguiente cita “Las computadoras digitales, en la actualidad, están siendo utilizadas para producir sonidos musicales y para generar imágenes visuales artísticas” (Noll, 1967, pp. 89).

Pero espacios como los Laboratorios Bell, eran sumamente restringidos, el artista sólo tenía unas horas para trabajar con los mainframes, sin realmente aprovecharse de su potencial de manera libre, requería grandes horas de aprendizaje y burocracia.

El artista común y corriente fuera de la ciencia pudo entrar al mundo de la computación cuando salieron las primeras interfaces gráficas de usuario, estas brindaban un espacio más amigable con los humanos, empezaron a dar el espacio en donde el humano promedio se sentía cómodo de usar, es a partir de aquí que comenzaron a suceder cosas interesantes con varias ramas de la vida cotidiana humana, pasando por espacio publicitarios a espacio de usuarios, donde se empezaron a crear comunidades de diferentes rubros, economistas, diseñadores, historiadores, sociólogos y entre tantos grupos también los artistas crearon sus comunidades lo que dio paso al desarrollo de softwares que daban las herramientas necesarias a aquéllos que quisieran crear, se democratizó el uso de una computadora.

Artistas como Stelarc comienzan a explorar lo que podría ser el ser humano en conjunto con la máquina, cómo podría llegar a transformarse de maneras evolutivas que planteaban nuevas miradas de hibridación de la máquina con el humano, más allá de solo usar la tecnología como una herramienta. Como lo planteaba en su pieza Oreja extra, donde se proponía implantar una tercera oreja para expandir su capacidad auditiva.

Vemos cómo históricamente la tecnología cambia de rol, deja de ser una simple herramienta, pasar a ser una parte del planteamiento del artista, pasa a ser un estado de realidad a partir de la cual se elabora arte.

Una de las primeras bandas en crear música electrónica dirigida a un público más grande fue Kraftwerk, que realizaban sus composiciones con sintetizadores análogos y herramientas electrónicas, pero en el año 1991 lanzó el álbum titulado The Mix, una recopilación de remixes que, por primera vez, contaba con un proceso digital.

En concreto para este proyecto funcionan como referentes cuatro piezas, comenzando por Labor e de Carsten Nicolai de 1997, pieza donde se exponía las herramientas para producción y grabación de sonido dando la oportunidad a los visitantes de componer y grabar sonido, al final el material que se recolectó se archivó, esta pieza da la libertad a la audiencia de entender el proceso de producción y refleja el valor de audiencia con la pieza.

En segunda instancia tomo como referencia La partida de ajedrez de Marcel Duchamp y John Cage, un performance/concierto en donde ambos se proponen un juego de ajedrez que es sonorizado con cada movimiento del tablero, esta pieza invita al espectador a escuchar cómo suenan los movimientos de la partida, es una dinámica de diálogo entre el ajedrez y ambos artistas, construyen una pieza sonora mientras juegan, “La expectativa de Cage respecto al sonido en movimiento durante la partida se cumplió́ varias veces en el transcurso de la velada. Por ejemplo, si Duchamp (Blancas) movía su dama desde d1 hasta f3, el sonido presente en la entrada 1 se desplazaría desde el altavoz del fondo de la sala hacia el altavoz frente al público, justo debajo del centro del escenario” (Cross, 2016, pp.23).

Un tercer referente es Robotic Electronic Music de Moritz Simon Geist que es un álbum musical de Techno creado por robots y el mismo Moritz, este álbum es una composición que muestra nuevas formas de crear mediante el uso de la máquina, delegando tareas interpretativas a manera de poder crear piezas elegantes que expresan un sonido alternativo al que un humano en solitario podría hacer o interpretar en vivo, esta es una exposición más del valor que obtienen hoy en día las máquinas como seres creativos.

Como cuarta referencia se encuentra la pieza How Not To Be Seen: A Fucking Didactic Educational .MOV File de Hito Steyer, en esta propuesta artística se refleja la composición cultural a través y en conjunto de internet, donde el humano ya no se plantea lo que podría ser el vivir en una sociedad conectada, si no, se plantea como un ente que ya está construido con internet y que se construye a partir de esto, podríamos decir que la hibridación humano máquina se ve reflejada a niveles muy íntimos, la sociedad está devorada por la vida digital como lo menciona Byung-Chul Han en su libro de psicopolítica (Han, 2015).

o   Planteamiento y enunciación del problema artístico

Este proyecto artístico se propone explorar cómo el ser humano comienza a crear a diferentes niveles de su vida en conjunto de la máquina, pero centrándose en un momento en concreto, el aislamiento social a causa de la pandemia provocada por el virus SARS-CoV-2. El aislamiento social trajo consigo un proclive a transportar actividades normales del humano al lado digital, desde ir a la escuela hasta fiestas, casi todo hábito común  de la sociedad se vio transportado al espacio digital, esto creó nuevas realidades de lo que entendemos como ser, como persona, como individuo, ya que las posibilidades corporales se dejaron de alguna manera ausentes de la convivencias social trayendo consigo nuevos retos para el desarrollo humano buscando superar las limitaciones corporales.

Las limitaciones corporales crean nuevas rutas creativas y de colaboración tanto con actores no humanos como con humanos, dentro de este contexto de creación híbrida este proyecto se propone responder la pregunta ¿Cómo se puede explorar la relación humano máquina generada en el confinamiento a partir de una propuesta creativa?, buscando así visualizar la creación artística en colaboración con máquina y con humanos que a su vez están colaborando mediados por la máquina.

o   Justificación

Ya que actualmente nos encontramos en una situación atípica donde nos vemos obligados a transportar nuestra rutina normal a un espacio digital es necesario replantearse el nivel de intervención de la máquina en nuestros procesos creativos, buscando así ver reflejada la reconstrucción de lo que en la modernidad se nombraba como humano.

Ruptura y Reconstrucción Humana busca analizar el nexo humano máquina para poder ver qué resultado creativo se da a partir de este estado de realidad transferida al espacio digital, que ha dado paso a una colaboración del humano máquina en el arte y en toda disciplina humana, siendo así ésta un pieza donde se visualiza una composición que descentraliza al humano como único creador y da paso a una hibridación resultado de las decisiones humanas y las automatizaciones maquinicas, buscando así una pieza que refleje el estado posthumano del ser que vive dependiente de la máquina más que nunca.

 o   Objetivo del Proyecto Terminal

Analizar el nexo humano máquina en el contexto del confinamiento generado por el SARS-CoV-2, a través de la realización de un álbum musical automatizado, para comprender las modificaciones que está trayendo a la vida cotidiana.

o   Objetivo de la Propuesta Creativa

Crear un álbum musical automatizado a través de la implementación de un código en CSS para que el público explore la automatización de las máquinas y colabore en la creación creativa con ellas.

o   Título

Ruptura y Reconstrucción Humana